Review on Creativity Camp 2022
2022 創作營回顧

5日4夜,藉著文藝復興十週年,在形體、聲音和文學之日裏,重新想像影像講故事的方式。四場大講堂的分享,從不同程度的身體動作,動畫製作的無限宇宙,原創和改編劇本的處理,低成本製作的要點,甚至是韓劇、類型劇的故事鋪排和展現手法,重塑講故事媒介的運用。透過兩天下午的工作坊,探索如何用身體、音樂和聲音表達自己。連續三晚的主題晚會,更與同路之其他影像人、音樂人、文學人聚首一堂,交流切磋。 八組營友亦抽籤選出一本文學作品及「搶耳音樂廠牌資助計劃2022」的三組入選音樂單位,以此為概念即場組隊埋班創作一條短片。作品於最後一天的展映上播放,由營友票選他們最喜歡的首三組創作。立即回顧創作營2022的日程、導師簡介,欣賞營友如何突破營內有限時間和資源之限制,碰撞出創意火花,完成出色的跨界作品~ Campbook 文藝復興 ⑩ 夏令營小冊子 作品展映 Work Screenings A - H 組

Body Movement x Visual Workshop: Body Talk
形體 x 影像工作坊:身體說話

形體 X 影像工作坊 身體說話——一個以單一的形體動作與自己身體對話的旅程 日期:2022年8月5日 地點:饒宗頤文化館展覽館 @創作營 2022 導師:Elysa Wendi(導演、跳格舞蹈影像節及總監) 每個身體部分都有一個靈魂,以許多不同的系統和表達方式說話。在形體之日當中,工作坊分成上下部份,與營友們一起踏上這段旅程:學習通過單一的形體動作,與我們的身體各部分溝通、創作。對於身體及敘事,我們試圖利用簡單的動作練習,超越和尋找動作本身想說的話。工作坊以影像紀錄和介入作為載體,同時採用任務導向的編舞方式進行探索。 在上午講堂的部份,Elysa分別以不同程度的身體動作,講解身體和心靈的關係。從普通的行走、跳躍,這些每個人在日常生活中自然而然進行的動作(Daily Action);到很多編舞方式都會用到的 「Geometrical Line」:用身體不同的部份畫出清晰的、單一的線條,一直持續下去,發展成某種隱喻、啟發。那些時而靜止、時而流動的跡象(sign)和姿勢(gesture),那些以某種不斷重複而成的行為或任務,終究會抵達我們的靈魂核心(internal motor),驅動我們找到身體想說的話。 Elysa續用了不同類型的短片作為例子,探討舞蹈、劇場、畫面等等演員如何用他們的身體說話。譬如Pina Bausch《 Cafe Müller》當中,用兩人越來越快跌落又重複的擁抱,表達親密關係中嘅糾結。又例如由年輕荷蘭藝術家Karel VanLaere 創作的《Cargo》:利用平躺在不同的街道、草原等,移動著身體,呈現人體一種最無攻擊性和脆弱的狀態。 這些短片,都一一展示何謂 「Less Is More 」。正如Elysa在講堂最後所說:有時候故事的發展,只需要一個主題 、一個動作 ,專注於此,到最後就能夠發現那條故事線。 導師團隊中,李偉盛導演示範了濱口龍介《Happy Hours》中長達一個多小時的工作坊的其中一段情節。在電影裏工作坊的藝術家,提及自己一直在練習「找重心」的單一動作,直到某天突然發現自己透過這樣的行為藝術,療癒了災難帶給自己的傷痛。 至於下午的工作坊,輪到各位營友嘗試與自己身體對話。每一組拿著自己所抽選的文學作品,再抽籤選出自己被按摩的身體部位。有的營友坐下或躺下、閉上眼睛、清空思緒,有的營友讀出文學作品中隨意挑選的一頁,有的營友配合讀書的聲音按壓那些身體部份,一齊感受聲音和動作如何彼此配合。感受發展出單字,或許是顏色,或許是動作,或許是人物的形象聯想,把它們全部寫到白板上,透過分享,逐步、逐步構成短片的那條故事線。 H組的其中一位營友讀著《三島由紀夫》,與組員一起探索身體接收到這些聲音和力量後,會作出怎麼樣的反應。

Sound Design & Film Scoring Workshop: The Sound of Movie
音效及配樂工作坊:電影之聲​

音效及配樂工作坊 日期:2022年8月6日 地點:饒宗頤文化館資源中心 @創作營 2022 導師:莫美華(音效設計師) X Hanz(電影配樂師、獨立音樂人) 導師莫美華(May Mok)及Hanz,在這一個下午帶領大家一齊探索電影之聲。在與八組營友一對一面談各組創意短片的聲效設計之前,兩人都各自分享了自己為電影配樂的經驗。且不約而同表達了做電影配樂,重要的是必須多與導演溝通,多嘗試不同效果,才能夠清楚得知最終要呈現給觀眾的是甚麼。 May Mok以杜琪峯導演《柔道龍虎榜》酒吧的一場戲作為其中一個例子,分享、解說了電影中畫內音(Diegetic Sound)和畫外音(Non-diegetic Sound)的運用。前者為螢幕內角色可以聽到的音樂或者聲音,後者則為後期加入的配樂、人物呼吸或打鬥等反應聲,這一類專屬於觀眾聽到的聲音。 而《柔道龍虎榜》的特別在於,由蔡一飾演的阿正一角,所演唱的歌既是 Diegetic Sound 又是 Non-diegetic Sound——一方面畫面上呈現的那一首歌,是角色現場演唱的版本;另一方面,這首歌的聲音變化,對於觀眾而言,亦能夠到反映角色的內心世界,反映到角色一直在戲內建構的性格元素。所以好多時後期的混音(mixing)效果,是需要逐個去嘗試,去仔細聆聽配樂甚麼時候要抽走、甚麼時候要漸入回來。聲音某程度上,是在創造現實,創造導演想觀眾看到、接收到的戲劇效果。 Hanz 就透過參與《手捲煙》配樂製作為例子,講解為何有時候配樂上一些微小的決定,已經可以好影響整個劇情發展走向。《手捲煙》戲劇高潮的那一場打鬥,同一個場口Hanz先後製作了兩個不同版本的配樂。兩種不同的取態,可以間接描述角色情緒心態,後者最終上映使用的版本感覺更滄桑,有一種林家棟所飾演的關超 ,要用盡他悲憤的最後力量那種感覺,令整個人物的特性更加突出。除此之外,Hanz亦提及有時候配樂製作未必需要每一次都畫公仔畫出腸 ,而是尋找與劇情適可而止的關聯性和平衡點。例如在《手捲煙》裏當音樂繼續,就代表其實那一場架尚未打完,觀眾並不知道究竟誰勝誰負。

Sharing: Self-Producing—On Literature Adaptation and Low-Budget
大講堂:自主映畫—文學改編與低成本製作

創作大講堂 日期:2022年8月7日 地點:饒宗頤文化館資源中心 @創作營 2022 主持:任俠導演 分享:陳果導演 「在導演的角度,改編就是將原著作者的東西,變成自己的東西,或者把作者的東西發揮得更好。」 第二屆奪目創作營的最後一場大講堂,有師徒陳果和任俠導演,來到營內和大家分享陳果導演執導以來別樹一格的自主映畫經驗。由早期嘗試但最後未有面世的《潮州巷》,到後來的類型片《餃子》以及《迷離夜:驚蟄》,都是從李碧華作家的小說改編的作品。作為同樣著緊自己作品的創作人,陳果導演和李碧華作家的合作又是怎樣緣起? 導演承接開首那句話,表示導演和原著作者之間的合作,首先是建基於人物、情節等等方面的仔細討論。改編未必需要翻天覆地,但最主要是要保留、融會當中的文化內涵。因為劇本更像一本說明書,比起原著文本完全依靠文字建構想像,更需要簡潔清楚、減去華麗的描寫。下一步,有時導演會寫第一稿,有時則是原著作者,然後再互相來回修改、定案。 談及《餃子》,任俠導演就表示電影的改編其實相當忠於原著,只是沒有包含到一些比較屬於副線的原文內容,例如:主角艾菁菁在Boutique巧遇丈夫和小三試衫、墮胎師媚姨的初戀情人,一孩政策的著墨,她事敗後北上逃走吃了火腿蛋飯等等。而相對地,艾菁菁踩雞蛋、媚姨唱《洪湖水浪打浪》這些情節,就是陳果導演原創加入電影之中,用意進一步加強敘事背景。 「改編就是如此,要遷就前後畫面;拍攝上怎樣就位、怎樣能夠拍得更好看;人物太多又不行,有些情節只能簡單交代,不需要拖太長講太多。」最重要的是,要思考如何加強這些類型電影的恐怖氛圍營造,怎樣用畫面豐富人物的背景塑造,連繫上文下理。 下半部分的低成本製作,兩人就以《香港製造》為例,進一步講解。 這部電影當年的成本只有五十萬,後來獲得的成功被稱為「獨立電影的奇蹟」。結尾部份有一顆鏡頭,只從高處拍攝著掛在枯枝上的斷線風箏,不遠處傳來北上火車的聲音。這個鏡頭沒有任何演員,卻是整部電影最昂貴的一顆鏡頭——利用了升降鏡頭(Crane Shot)拍攝。更甚者,因為當時租借的起重機本來是用作整電燈的,拍出來的感覺很粗糙,那種raw的動感貫穿一整段,頭尾部份甚至搖晃得太厲害而不得不剪走。 既然如此,為甚麼還要花費如此多的人力物力,在只有幾個工作人員合力把器材搬上山,也要堅持完成、使用這顆沒有演員的畫面?「如果資源就只有那麼多,沒有任何金錢和時間可以浪費,事前充足的資料搜查就顯得絕對必須,而且導演要很清楚資源的投入重點在哪。」任俠導演如此總結到,關於低成本製作的其中一個要點。 斷線風箏代表著三個年輕人逝去的生命,北上的火車通往回歸。配合著VO那一句:「世界是你們的,也是我們的,但是歸根結底是你們的⋯⋯」結尾這一幕的點題,就算放到此時此刻重溫,仍然令人感到一陣唏噓。 最後,陳果導演亦坦言,本土的市場雖然很小,但在像這樣一個供應真空的時代,或許就是創意大起飛的關鍵時刻。身處逆境才更值得去衝破,把大量的參考融會貫通,吸收成自己的東西,保持靈活和叛逆,總能殺出一條血路。  

Sharing: Storytelling in Korean Drama
大講堂:看韓劇講好一個故事

創作大講堂 日期:2022年8月7日 地點:饒宗頤文化館資源中心 @創作營 2022 分享:洛楓(詩人、文化評論人) 從大熱了好幾年,並已漸漸發展出不同類型片的韓劇角度,嘉賓洛楓在講堂的第一部份,以韓國編劇鄭淑的觀點作為引子,解構韓劇如何講故事。無論是愛情、律政、還是倫理劇等等,都並非單純把對白拋到螢幕當中,更重要的是要與當下狀況的影像、人物和事件融合,使得最終呈現在觀眾眼前的,是一個綜合的故事結構。 第二部份——到底要如何講出一個好故事?當中的影像敘事、情節與扭橋、對白與金句、主題與議題等都是取決的要素。洛楓提出了許多例子,譬如《我的出走日記》中的日常節奏,《雲畫的月光》那些女扮男裝造就的男男情色鏡位,《怪物》如何埋伏線和扭橋,《The Penthouse》的反駁與爛尾等等。 另外,洛楓更提及了影視作品當中的三種時間:故事敘事所展示的時間、放映的時間、觀眾印象感覺延續的時間。而時間的掌控,取決於作品的受眾和放映媒介。在螢幕內,很多時候我們都會看到真實時間的跳躍,譬如螢幕時間只有15分鐘,講的卻可以是橫跨1年當中發生的事件。以《我的出走日記》作為其中一個例子,剔除跳躍的時間,這部作品開始的節奏就非常緩慢:仔細拍攝主角們上班、吃飯的日常。這個做法,令螢幕時間幾乎等同於真實事件,彷彿要觀眾也一起感受那種令人厭倦、疲倦近乎窒息的重複生活,帶出主角希望改變人生的命題。  

Sharing: The Creation and Adaptation of a Screenplay
大講堂:劇本創作與改編

創作大講堂 日期:2022年8月7日 地點:饒宗頤文化館資源中心 @創作營 2022 分享:李駿碩(90後導演、編劇) 導演李駿碩(Jun Li)一直同時擔任著導演及編劇的角色,自他在鮮浪潮的作品《瀏陽河》(2017)及《吊吊揈》(2018)開始,到第一部長片《翠絲》(2018),再到第二部的《濁水漂流》(2021),Jun Li在講堂上分享了在這些歷程中,他個人講故事、寫劇本的方法。 以《濁水漂流》為例,這個關於關於深水埗露宿者互相依賴流浪生活的電影,除了事源自真實的社會事件,亦改編自Jun Li學生時代撰寫的新聞專題。無論是自己改編自己的寫作,抑或是文本體裁上的轉換,都是一次特別的經歷。提及完成劇本的過程,導演的方式是:自己不可以早過文本的角色,知道他們將要做甚麼;所以導演會一路跟著角色的遭遇、身處的環境一起同行。 另外,Jun Li亦提及創作和製作,是完全的兩回事:由文字變成一個可以製作到、拍攝出來,再將創作者的感受傳達給觀眾,是最困難且歷時最長的過程。在無限次的修改當中,創作者必須非常喜歡自己的故事,並享受他誕生的過程,方可一直走下去。

Sharing: The Borderless Storytelling within Boundaries
大講堂:有形限制的無限故事創造

創作大講堂 日期:2022年8月6日 地點:饒宗頤文化館資源中心 @創作營 2022 分享:張小踏 X 陳偉武 兩位均累積了不少動畫製作經驗的張小踏(StepC)和陳偉武(Mo),其實早相識於上次瘟疫蔓延時。這場隔著兩個時空的對談分成三個部分,從兩人動畫製作上的共通主題意象導入。率先播放了StepC.較早期的作品《有毒關係》 動畫短片,和Mo為魏如萱製作的《雪女》,探討如何以動畫方式,呈現不同面向的有害浪漫(Bad romance)。逐討論到坊間動畫製作不同方式的進程:從以往傳統的  Cel Animation,到幾年比較多見的 Motion Graphic 和 3D Animation。科技的進步和追求令畫框越拉越闊,例如RubberBand的《每道微小》MV,以及AGA 的《CityPop》MV,分別為兩人的作品,就運用了近年越趨流行的形式:動畫混合實拍/實境,讓動畫製作進一步走向混合(hybrid)模式,創造無限個故事。 對談的下半部分,分別剖析了兩位嘉賓的創作宇宙,有與本地歌手們的合作,也有更多地反映了自己的獨立創作。動畫製作從來都不是一件容易的事,劇本、腳本談及的每一步、每一格都需要畫,絲毫沒有偷懶的餘地。而一條短片要求的製作期限和資源,往往都比較緊迫。作為創作者,每次回看自己的作品,永遠都覺得有「可以做得更加好」的餘地,當中的平衡絕對不容易拿捏。但盡力去做,正如StepC所說:回過頭來看見那些反映到、紀錄了某個時段的自己的作品;看到有其他創作者、有心人在自己的作品當中得到啟發,那種心情也總是滿足、開心的。  

The Night of Filmmaking: Sharing with Director Chan Hau Chun
影像之夜:導演陳巧真紀錄片放映及映後分享

影像之夜:陳巧真 日期:2022年8月5日 地點:饒宗頤文化館演藝廳 @創作營 2022 主持:李哲昕導演 作品放映及分享:陳巧真導演 陳巧真畢業於香港城市大學創意媒體學院,現為攝影師及獨立電影工作者。作品《32+4》曾入圍2015年金馬獎最佳紀錄片和榮獲2014年德國奧柏豪森短片影展(國際競賽單元)Principal Prize。 《32+4》 | 粵語及潮洲話 | 32分鐘 導演童年一直與家人分開生活,對於家庭歷史,一直不敢多問。大學畢業那一年,毅然拿起攝影機面對父母,希望填補過去的空白。 《熱室 Heatroom》 | 粵語及普通話 | 76分鐘 在香港的舊城區,有一棟老舊的大廈,劏了無數的細房間。一戶人一間房,圍起木板,叫板間房,共用廚廁,悶熱不透風,住了幾百戶人。 影片以群像形式,記錄了過去幾年間這棟大廈的板房住客的生活。經歷過社會運動和肺炎,板房住客的日常似是重覆不變卻又充滿暗湧。在細小的空間和老舊的大廈中,住戶來來去去,有人住了半個月便搬走,有人住了三十年,有人在這裡長大,有人在這裡死去。在固定長鏡的凝視底下,會折射出一個怎樣的社會鏡像? 影像之夜放映了導演陳巧真兩條敘事風格迥異的紀實電影。 第一部《32+4》,是導演在學期間,思考畢業作品該拍攝甚麼題材時誕生的作品。作品分成幾個章節,娓娓道來導演和原生家庭的關係。鏡頭後她敘事的聲音,對母親聽上去很冷靜卻尖銳的提問,利用文字、舊照片、畫作等等的拼貼風格,有時沒有人聲的字幕敘述就像日記一樣。母親在廚房煮飯的剁肉聲音;剪接導演敘述父親有一次怒火中燒,拿刀劈門留在自己舊房間的痕跡。還有那些即使已經隔著鏡頭,仍然只能夠透過近乎偷窺的視覺,去拍攝、紀錄叔叔——那個住在同一棟大廈、母親第二任丈夫的部分,特別令人印象深刻。 而對比《32+4》的貼身,第二部放映的作品《熱室 Heatroom》,就選擇了係較抽離的視覺,有一種任由攝影機放在各間劏房裏,紀錄住客一點一滴的感覺。每個住客都是獨一無二的靈魂,有的有自己獨樂樂的興趣,有的承受著身體上的病痛,有的滿足於生活現況,有的喜歡談論生存意義等等的哲學問題⋯⋯在這擁擠的空間內放置鏡頭,折射來來往往、似乎可以永續下去的眾生相。 放映過後,配合留在心坎裏的影像和對白,兩位紀錄片導演李哲昕及陳巧真,與各位營友進行了一場深入對談。其中有人問及,究竟拍攝紀錄片的時候,遇到那些作為影像人應該繼續roll機,作為普通人卻應該保留被拍攝者私隱這個道德難題,到底要如何選擇呢?兩位導演就給出截然不同的看法:《迷航 》的導演、同時亦身兼主持人的李哲昕覺得,應該不帶主觀視覺地全部都一一紀錄。這些抉擇時刻,留待剪接時決定。但陳巧真導演的做法,就偏向是拍攝的當下就做決定,若覺得過了內心條界線時,盡量堅持不拍,直接不把這些真實的部分變成製作素材。